Albrecht Durer nació en una gran familia de joyeros, tenía diecisiete hermanos y hermanas. En el siglo XV, la profesión de joyero se consideraba muy respetuosa, por lo que el padre intentó enseñar a sus hijos el oficio en el que se dedicaba. Pero el talento de Albrecht para el arte apareció bastante temprano en la vida, y su padre no lo disuadió, por el contrario, a la edad de 15 años envió a su hijo al famoso maestro de Nuremberg Michael Volgemut. Después de 4 años de entrenamiento con el maestro, Durero se fue de viaje y al mismo tiempo pintó su primera pintura independiente, "Retrato del Padre". Durante el viaje, perfeccionó sus habilidades con diferentes artesanos en diferentes ciudades. Considerar las pinturas más famosas de Albrecht Durerreconocido por la comunidad internacional.
10. Autorretrato con acebo
Autorretrato con acebo. Esta pintura de Durero causó mucha condena, tanto entre los contemporáneos del artista como entre los críticos contemporáneos de la pintura. La cosa está en la pose en la que el autor se pintó a sí mismo y el mensaje oculto transmitido a través de los detalles. En el momento del artista, de cara o cerca de esto, solo se podían dibujar santos. El acebo en la mano del artista envía un mensaje a la corona de espinas, que fue puesta sobre la cabeza de Cristo en la crucifixión. La inscripción en la parte superior del lienzo dice "Mis acciones están determinadas desde arriba", esta es una referencia a la devoción del autor a Dios, y que todos sus logros, en esta etapa de la vida, son con la bendición del Señor. Se estima que esta imagen, almacenada en el Louvre, introdujo ciertos cambios en la cosmovisión humana.
9. Autorretrato de Durero en la edad adulta.
Autorretrato de Durero en la edad adulta. Con la edad, Durero fue aún más lejos al reflejar sus experiencias en el lienzo. Por esta impudencia, los contemporáneos criticaron brutalmente al artista. En este lienzo, pintó su autorretrato en toda su cara. Mientras que incluso los contemporáneos más reconocidos no podían permitirse tal descaro. En el retrato, el autor mira estrictamente frente a él y sostiene su mano en el centro del cofre, lo cual es característico de los reflejos de Cristo. Los malvados encontraron en la pintura de Durero todas las similitudes y le reprocharon que se comparara con Cristo. Al mirar la imagen, alguien puede estar de acuerdo con los críticos, y alguien puede ver algo más. No hay objetos que llamen la atención en la imagen, lo que hace que el observador se concentre en la imagen de una persona. Los que vieron la imagen consideran la gama de sentimientos en la cara y la imagen de la persona representada.
8. Retrato de un veneciano
Retrato de un veneciano. El retrato pintado en 1505 se considera la obra veneciana dirigida por Durero. Fue durante este período que pasó la segunda vez en Venecia y perfeccionó sus habilidades con Giovanni Bellini, con quien finalmente se hizo amigo. Se desconoce quién está representado en el retrato; algunos sugieren que es una cortesana veneciana. Como no hay información sobre el matrimonio del artista, no hay otras versiones sobre la persona de la persona que posó. La pintura está almacenada en el Museo de Arte e Historia de Viena.
7. Martirio de diez mil cristianos.
Martirio de diez mil cristianos. La pintura fue encargada por el santo patrón de Durero para la Iglesia de Todos los Santos en Wittenberg. Debido a la presencia en la iglesia de las reliquias de algunos mártires de estos diez mil. Una historia religiosa familiar para muchos creyentes sobre la golpiza de los soldados cristianos en el Monte Ararat se refleja en todos los detalles. En el centro de la composición, el autor se pintó con una bandera en la que escribió el momento de la escritura y el autor de la imagen. Junto a él está el amigo de Durero, el humanista Conrad Celtis, quien murió antes de que terminara la pintura.
6. Fiesta del rosario
La fiesta es clara. La pintura más reconocible de Durero fue pintada para la Iglesia de San Bartolomé en Italia. El artista pintó este cuadro durante varios años. La imagen está saturada de colores brillantes, ya que esa tendencia se hizo popular en ese momento. La pintura fue nombrada así debido a la trama reflejada en ella, monjes dominicos que usaron el rosario en sus oraciones. En el centro de la imagen está la Virgen María con el bebé Cristo en sus brazos. Rodeado de fieles, incluido el papa Julián el segundo y el emperador Maximiliano el primero. Bebé: Jesús da coronas de rosas a todos. Los monjes dominicos usaban cuentas de colores estrictamente blancos y rojos. Los blancos simbolizan la alegría de la Virgen, la sangre roja de Cristo en la crucifixión.
5. Manos de la oración
Manos de la oración. Otra pintura muy famosa de Durero fue copiada muchas veces, impresa en postales, sellos e incluso monedas. La historia de la imagen es sorprendente en su simbolismo. El lienzo representa, no solo la mano de un hombre piadoso, sino también a su hermano Durero. Cuando eran niños, los hermanos acordaron turnarse para pintar, ya que la fama y la riqueza de este oficio no llegaron de inmediato y no a todos, uno de los hermanos tuvo que garantizar la existencia del otro. Albrecht fue el primero en tomar la pintura, y cuando fue el turno de su hermano, sus manos ya habían perdido el hábito de pintar, no podía escribir. Pero el hermano de Albrecht era un hombre piadoso y humilde, no estaba molesto con su hermano. Estas manos se reflejan en la imagen.
4. Retrato de Maximiliano I
Retrato de Maximiliano I. Durero representó a su patrón varias veces en diferentes pinturas, pero el retrato de Maximiliano el primero se convirtió en una de las pinturas de fama mundial. El emperador es representado, como corresponde a los monarcas, túnicas ricas, una mirada arrogante, la imagen arroja arrogancia. Como en otras pinturas del artista, hay una especie de símbolo. El emperador sostiene una granada en su mano, un símbolo de abundancia e inmortalidad. Una pista de que es él quien proporciona a la gente prosperidad y fertilidad. Los granos que son visibles en la pieza pelada de granada son un símbolo de la versatilidad de la personalidad del emperador.
3. Caballero, muerte y demonio.
Caballero, muerte y demonio. Este grabado de Durero simboliza el camino de una persona a través de la vida. Un caballero con armadura es un hombre protegido por su fe de las tentaciones. Una muerte cercana se representa con un reloj de arena en la mano, lo que indica el resultado al final del tiempo asignado. El demonio va detrás del caballero, representado como una especie de criatura miserable, pero listo a la menor oportunidad de atacarlo. Todo se reduce a la eterna lucha entre el bien y el mal, la fortaleza ante las tentaciones.
2. Los cuatro jinetes del apocalipsis
Los cuatro jinetes del apocalipsis. El grabado más famoso de Durero de sus 15 obras sobre el tema del Apocalipsis bíblico. Los cuatro jinetes son ganador, guerra, hambre y muerte. El infierno que los sigue, en el grabado, se representa como una bestia con la boca abierta. Como en la leyenda, los jinetes se apresuran, barriendo a todos los pobres y ricos, y los reyes y la gente común en su camino. Una referencia a lo que todos merecen, y todos responderán por los pecados.
1. Adoración de los magos
Adoración de los Magos. La pintura fue pintada durante el regreso de Durero de Italia. En la imagen, la atención alemana al detalle y el colorido se entrelazan, el brillo de los colores característicos del Renacimiento italiano. La atención a las líneas, sutilezas mecánicas y pequeñeces hace referencia a los trabajos de croquis de Leonardo Da Vinci. En esta imagen de fama mundial, la escena se describe con cierto detalle en las leyendas de la Biblia y se transfiere al lienzo en colores, deja la impresión de que esto es exactamente lo que sucedió.